Carlos «Tamba» Aragón

Por: Erick Tomasino.

Carlos Francisco Aragón Cabrera, nace el 19 de junio de 1951 en Retahuleu, Guatemala, aunque hijo de padres salvadoreños. Llegó a ser conocido en el mundo artístico como «Tamba», apodo que sus compañeros le pusieron debido a que en el colegio Externado San José donde se graduó de bachillerato, al momento de hacer ejercicio con las cuerdas en las clases de educación física, Carlos se movía al igual que el monito Tamba de la serie Jim de la Selva, muy popular a finales de los 60s.

En 1967 en el Externado, organizaría junto a otros compañeros el grupo The Blue Souls. Idea que le vino junto a su amigo Ricardo Archer después de que fueran a ver la película A hard days nights de The Beatles. Inspirados por aquella experiencia Ricardo Archer y Tamba, pidieron a Guillermo González Walsh quien tocaba la batería en otro grupo unir sus talentos para formar una nueva agrupación. Después se incorpora Manuel Martínez Daglio, Roberto Sol y Carlos Borja Letona, así se completa la alineación original de The Blue Souls. Otros miembros serán Patricio Casanova, Oscar Henríquez y José Luna. Este grupo se separa en 1969.

En 1970, Manuel Martínez Daglio, Carlos «Tamba» Aragón y Ricardo Archer co-fundan la "Banda del sol" a la que se incorporan Fernando Llort y Max Martínez. Con esta banda, Tamba graba la que se considera su obra magna, la canción "El Planeta de los Cerdos" (letra y música de su autoría) y también “El perdedor”; ambas canciones junto a Abriendo camino se publicaron en el disco UNIDAD, producido por el sello Pícaro en el año de 1971.

También en 1970, Tamba entraría a estudiar música en el Centro Nacional de Artes (CENAR), en ese centro llegó a convencer sus profesores Joe Koestner y Julián Kosicki para acompañar a la Banda del Sol en las grabaciones que estaban realizando (Koestner tocando el contrabajo en El planeta de los cerdos y Kosicki la flauta en Abriendo Caminos).

A mediados de los 70, en pleno auge de los movimientos populares, Tamba se incorpora al Bloque Popular Revolucionario con el cual llegó a realizar trabajo político y de organización; las condiciones de represión por parte del Estado salvadoreño contra la población lo motivan a participar en la guerra civil salvadoreña como combatiente de las Fuerzas Populares de Liberación «Farabundo Martí» (FPL).

Su nombre en la guerra popular salvadoreña será «Sebastián». Llega a participar en la Ofensiva General lanzada por el FMLN el 10 de enero de 1981. Llegó a ser el primer jefe de las Fuerzas Especiales de las FPL en Chalatenango y jefe de las Unidades de Vanguardia (UV). Cabe mencionar que en medio de la guerra, dedicaba los momentos que tenía libres para escribir poesía. Se dice que dejó un cuaderno con sus escritos.

El 15 de septiembre de 1981, se realiza una operación de «propaganda armada» en la población de San Ignacio, Chalatenango, por parte del Pelotón número uno de las Unidades de Vanguardia dirigidas por el Comandante Sebastián. Al regreso de aquella misión de camino a La Monañona fueron emboscados en una zona entre Izotalillo y el Cerro del Candelero jurisdicción de Dulce Nombre de María -camino a San Fernando, municipios del departamento de Chalatenango. Muere en combate el día 17 de septiembre de 1981.

Jorge Palencia «El Viejo», le dedicaría la canción Comandante Sebastián (publicada por EGREM, 1985).

Carlos Francisco Aragón Cabrera «Tamba», será recordado como uno de los artistas más comprometidos del proceso de liberación popular salvadoreño de la generación de la década de los 70. Queda pendiente de recuperar el resto de su obra.

 

The Blue Souls. Antecedente de La Banda del Sol

A continuación comparto la historia de la banda The Blue Souls, una banda salvadoreña de rock de finales de los 60. Esta información la encontré en la página de facebook: Proyecto Artístico de El Salvador

De izquierda a derecha: Carlos "Tamba" Aragón, Carlos Borja Letona, Ricardo Archer, Roberto Sol, Manuel Martínez Daglio y Guillermo González Walsh

Esta Banda de buenos músicos fue lo que después conocimos como la célebre: "Banda del sol". Ellos captaron en su música, en esa época, el movimiento hippie del momento y de la situación del conflicto de Vietnam (Con "Banda del sol"). "The Blue Souls" (1967-1969) se mantuvo por unos 3 años de Rock'n Roll.

Todo inició a la salida de la función de las 3:30 de la tarde en el recordado "Cine Apolo" de San Salvador. Después que unos jóvenes inquietos salvadoreños fueron a ver la película "A Hard days nights" de The Beatles, Ricardo Archer y Carlos (Tamba) Aragón que en ese tiempo eran compañeros en el mismo grado, en el colegio "Externado de San José". Ellos se sentaron a platicar mientras esperaban a que los llegarán a traer sus padres para llevarlos a sus respectivos hogares después de la función. Mientras tanto se identificaron por el amor que ellos le tenían a Rock'n Roll que se vivía en el momento con la invasión "Británica" y después con la americana. 

Desde esa platica que tuvieron y por un espectáculo que tuvo lugar en el colegio Externado de San José, Ricardo Archer y Carlos (Tamba) Aragón, vieron que otro compañero de ellos se presentó tocando la batería con una agrupación musical, él era Guillermo González Walsh, quien tenía una batería "Ludwig" azul que era el mismo modelo de la batería que tocaba en ese tiempo el gran Ringo Star, les vino la idea de unir sus talentos.... Para ese entonces Ricardo Archer tenía un bajo "Baldwin" inglés y un "Fender" bassman. Carlos (Tamba) Aragón contribuyó con un amplificador "Baldwin" también inglés y un micrófono "Shure". Platicaron con Guillermo González Walsh (batería), que inmediatamente les dijo que podían ensayar en su casa, y así entre los tres compraron una guitarra "Vox" modelo clásica - roja, como la "Gretch" que utilizaba en ese tiempo George Harrison de "The Beatles".
Comenzaron los ensayos y en otro espectáculo que tuvo lugar en el colegio,vieron como Manuel Martínez Daglio, que también era su compañero, tocó el piano muy bien en ese evento. Se observaron entre los tres compañeros y cuando Manuel concluyó con su presentación lo fueron a esperar a la salida para invitarlo a ser parte del grupo musical que aún no tenía nombre. 

Al inicio Manuel tocaba el piano, pero era un piano de pared, demasiado pesado para cargar. Decidieron comprar un órgano "Baldwin", todo ese equipo fue comprado en el recordado almacén "Kismet" de Doña Maria Boet. Por ese tiempo notaron que necesitaban un guitarrista líder y Guillermo sabía que Roberto Sol, otro compañero de curso en el "Externado" tocaba muy bien la guitarra, por supuesto, fue invitado y acepto unirseles. Llegó al siguiente ensayo con un "Fender" twin reverb, pedales y otra guitarra "Vox" y se armó la Banda que tras una lluvia de ideas, fue bautizada como "The Blue Souls". 

Amenizaban fiestas, turnos, graduaciones y en una ocasión hasta le abrieron el show a "Los Yaki" de México en el "Gimnasio Nacional" ya que "The Blue Souls" tenía un sonido entre el rock "Británico y norteamericano" y muy bien logrado. Les gustaba improvisar, hacer suya la canción, iban más allá de solo hacer un "Cover" de un tema del momento...estos eran los grandes momentos de la agrupación.

Hicieron presentaciones en los canales 4 y 6 de la TV salvadoreña,y con su música fueron parte estelar de los concursos de "Miss go-go" que eran unos concursos de bailes en la cual las parejas eran identificadas con un número de participación y hacían sus coreografías, mientras el grupo musical tocaba. En el año de 1968 Carlos Borja que era otro compañero del colegio se les unió como guitarrista rítmico (2° guitarra),con otra guitarra "Vox" y para el acto de graduación del colegio la gran sorpresa fue que Eduardo Cader con su voz rasgada, entre "Joe Cocker y Jim Morrison" también sube al escenario como parte de "The Blue Souls", ahora con 7 integrantes y muy bien equipados... rajaron los cielos y fueron ovacionados por todos los presentes.

A principios de 1969 se desbandan y quedan únicamente Ricardo, Carlos, Manuel y Eduardo... Eran tiempos en el mundo de la era hippie... (aunque ellos abrieron un show de "Los Yaqui" se conoce que en 2 ocasiones que el grupo mexicano llegó a El Salvador, en ambas ocasiones tocaron con "Los Beats" en el cine central y en el Gimnasio nacional). Ricardo tenía amistad con Patricio Casanova, bateriista y fundador de la Banda tecleña "The Rippers" que también se había disuelto y Patricio se integra a ""The Blue Souls", como bateriista y con más equipo "Fender"... También se integra Oscar Henríquez como guitarra líder que también pertenecía a "The Rippers". 

Un tiempo después Patricio se retira del país y en su lugar llega Chepe Luna, ex "Black Cats" a quien Manuel y Ricardo invitaron a unirse al grupo. "Los Black Cats" se habían disuelto y era el grupo donde cantaba Juan Ramón Crespo quien en ese entonces pertenecía ya a "Los Lovers". Vlady Chepe Luna toma control de la "Ludwig" que fuera de Guillermo y la Banda alcanza un nivel profesional superior con su buen ritmo y técnica en la batería. 

Había una química musical elevada entre sus integrantes y todos los seguidores "The Blue Souls" sabían que entrada la noche en la fiesta la "Banda" iniciaría el ritual musical de improvisar hasta alcanzar la primera luz de la mañana. En ese tiempo eran la Banda oficial de la discoteca "El Hipopótamo" y los sábados era un viaje musical único de luces, flores, amor, paz y Rock'n Roll. 

El bajista Mauricio Melara en esta ocasión como guitarrista líder y el tecladista Oscar Dada -ambos de "Los Intocables"- eran buenos amigos de "The Blue Souls" y en varias ocasiones se integraron a la Banda, les gustaba la libertad musical de "The Blue Souls" e inclusive hicieron conciertos de "Pura improvisación" (Jamming) de rock en el recordado "Dancing Downtown" con el sonido libre y característico de "The Blue Souls". 

El grupo llega a su final en 1970 y Manuel Martínez Daglio, "Carlos (Tamba) Aragón y Ricardo Archer confundan la legendaria "Banda del sol". "The Blue Souls" nunca grabaron, pero quienes los escucharon saben lo que ellos representaron para las bases del rock creativo y original salvadoreño...

"Todos los ex" Blue Souls" podemos dar fe, que la amistad alcanzada, siendo parte de una "Banda" de rock no tiene igual...Quedamos como amigos para siempre"... ("Ricardo Archer").

 

CORTOS DEL PROGRESIVO: CHAC MOOL

 CHAC MOOL

 

Carlos Alvarado Perea teclados, sintetizadores, voces

Armando Suárez bajo, mandolina

Carlos Castro batería, percusión

Jorge Reyes Valencia voces, guitarra, flauta

Mauricio Bieletto vocalista, violonchelo y guitarra acústica

 

Pioneros del rock progresivo en México, Chac Mool es una de las bandas pertenecientes a la escena underground de ese país (junto a Three Souls in My Mind, Kenny y los Eléctricos, Ritmo Peligroso, Size o Decibel, entre otras).

Con una existencia prácticamente corta (de 1979 a 1985), y con un registro de cuatro álbumes, Chac Mool logró dejar una impronta digna de reconocimiento por la exploración de un auténtico rock progresivo con una búsqueda espiritual en las propias raíces, sin dejar de lado la situación social del contexto de su época.

«Carlos Alvarado conoció a Jorge Reyes en 1973 cuando estudiaban flauta transversal con el maestro Islas en la escuela Nacional de la UNAM para 1976 Carlos grabó un material que fue editado en cassette y posteriormente en vinyl el cual llegó hasta Europa, Estados Unidos y Canadá esto gracias a la revista Eurock de Archie Patterson, en 1979 Carlos participó en el disco de Decibel “El Poeta del Ruido” por invitación de Walter Scmidt y fue cuando el 20 de octubre del mismo año donde Carlos ofreció un concierto en el teatro de Arquitectura en Ciudad Universitaria, al terminar el concierto  se acercó a el Jorge Reyes que acababa de regresar de la India y Alemania, le pidió a Carlos que le ayudara en un dico solista que quería hacer, en los siguientes días ensayaron cuatro temas “Salamandra”, “Bienvenidos al Fin Del Mundo”, “El Rey Camaleón”, “Un Mundo Felíz” y “Brillo de Luna”, Jorge en la flauta y guitarra, Carlos en sintetizadores.

El primero  de noviembre grabaron los primeros tres temas: “Un Mundo Feliz”, “La Salamadra” y “Bienvenidos al fin del Mundo”, esto fue en el estudio de Antonio Giner en la Colonia Industrial en la calle de “Buen Tono”, el tres de noviembre Jorge decide que deberían de hacer un Grupo y posteriormente llega Mauricio Bieletto, Armando Suárez y Carlos Castro.  El 20 de febrero Carlos Alvarado  invitó  a Pepe Navar para que escuchara el debut del quinteto de Rock Progresivo quienes incluían instrumentos prehispánicos en sus canciones. La banda duro de 1979 hasta 1986 para conocer el resto de la historia compren el disco el cual incluye esto y fotos inéditas». (https://elrocknotienelaculpa.mx/2016/03/12/se-reedita-el-disco-emblematico-de-chac-mool-nadie-en-especial-remezclado-y-en-mini-lp-replica/)

Con un relativo éxito (debido a la situación de censura que el rock sufre en aquel país), la banda graba otros tres discos: “Sueños de Metal” en 1981, que mantiene el estilo musical y con letras con un profundo sentido de búsqueda espiritual; "Cintas en Directo" en 1982, grabado completamente en vivo, que rescata el espíritu de banda de culto en el que se estaba conviertiendo la agrupación.

Tras presiones de la nueva disquera que les impuso cambiar de estilo por algo más comercial, Castro y Bieletto son expulsados de la banda. Castro fue sustituido por Eduardo Medina, en esas circunstancias graban “Caricia Digital” en 1984, pocos meses después por varios problemas entre los integrantes, el grupo se desintegraría. Una nueva versión del grupo surgirá y grabará nuevos álbumes.

La agrupación tuvo la oportunidad de volver a reunirse en 1999 para abrir los conciertos en México de la banda italiana Banco del Mutuo Soccorso, pero Reyes se negó debido a que participaría Suárez.

Discografía

1980 - Nadie en especial (Phillips)

1981 - Sueños de Metal (Phillips)

1982 - Cintas en directo (Phillips)

1984 - Caricia Digital (WEA)

Perfil del grupo en Spotify:

https://open.spotify.com/artist/2qEmeuF0gIyxdU1OyxNl22?si=B1QvnqrrTYmr85E8BabGSg 

A continuación un vídeo de la canción "Nadie en especial". No encontré uno en vivo buen con sonido.

CORTOS DEL PROGRESIVO: CONGRESO

 CONGRESO (Chile)

 

Sergio ‘Tilo’ González batería

Patricio González bajo

Fernando González guitarra

Francisco Sazo voz

Fernando Hurtado bajo

Hugo Pirovich batería, flauta

Rentato Vivaldi flauta

Arturo Riesco batería

Ricardo Vivanco batería

Aníbal Correa teclado

Joe Vasconcelos voz, batería

 

Con una trayectoria de más de 50 años, Congreso es junto a Los Jaivas, una de las bandas más importantes del rock progresivo chileno y latinoamericano, aunque quizá la conformación de los hermanos González sea menos conocida que la de los hermanos Parra.

Los inicios de la agrupación se remontan a los años 69-70 en la ciudad de Quilpué: desde entonces Congreso se ha desarrollado en la búsqueda de un lenguaje renovado para la expresión de la música popular latinoamericana, conjugando elementos de origen étnico con formas y estilos de corrientes contemporáneas.

Comenzaron su carrera a fines de los años 1960 ligados al movimiento musical de la Nueva canción chilena; sin embargo, con la llegada de la dictadura militar y las restricciones culturales de la época, sumado a la gran vocación instrumental de sus integrantes, evolucionaron hacia el rock progresivo, y luego hacia un sonido de fusión que incorporaba además elementos del jazz fusión, de la música contemporánea, del pop, y de la música étnica, sonido denominado por ellos como la Nueva música latinoamericana, y así transformándose en un pilar fundamental de la música popular chilena.

En 1971 editaron El Congreso, su primer álbum, que incluyó un tema basado en el poema de Pablo Neruda “Maestranzas de Noche”, y otros clásicos, según una fórmula que los llevó a presentarse en el Festival de la Nueva Canción Chilena ese mismo año (en el Teatro Municipal de Santiago).

El golpe militar de 1973 truncó el proceso de grabación de su segundo disco, Terra Incógnita, lanzado recién dos años más tarde y con una difusión escasa, dado el cierre de espacios culturales. La banda no bajó sus brazos, y se convirtió en una de las pocas agrupaciones que continuó trabajando en Chile durante los primeros años de la dictadura. Música de fusión y letras casi crípticas fueron sus códigos para sobrevivir a la rigurosa vigilancia estatal: "Cuatro jinetes negros / pasan volando / Van levantando noche / niebla y espanto", dicen en la "Cueca del apocalipsis" (fragmento del tema "Arcoiris de hollín"), incluido en el álbum Congreso en 1977, también conocido además como "el disco café" y en una clara alusión a la Junta Militar. Dos años después grabaron la Misa de Los Andes, que no alcanzó gran difusión y antecedió el primer desperdigamiento del grupo, cuando tres integrantes, Fernando Hurtado, Renato Vivaldi y el vocalista y letrista Francisco Sazo, se salen del grupo.

Una segunda etapa se ubica entre 1979-1984 y se relaciona con el cambio de integrantes y giro hacia el rock progresivo.

La ida de parte del grupo reducen el poder inserto en plena dictadura, con canciones protesta camufladas entre poéticas letras y complejidades musicales. Los tres hermanos González tardaron más de un año en rearmar el grupo mientras se mantienen trabajando como músicos de apoyo de orquestas televisivas y otros músicos. Así conocieron al joven chileno-brasileño Joe Vasconcellos, cuyos intereses latinoamericanistas y su formación musical pensaron que le daría un nuevo aire al proyecto. Junto a él completaron la nueva formación de Congreso. A la banda ya se había integrado hacía poco el pianista Aníbal Correa y el bajista Ernesto Holman, quien no solo era un viejo conocido de Tilo González de sus épocas universitarias en el puerto, sino que además se habría de convertir en uno de los hombres más representativos del nuevo sonido de fusión del grupo. Vasconcellos asumió entonces como letrista, y con ese esquema Congreso publicó Viaje por la cresta del mundo (1981), uno de sus más sólidos trabajos, con algunas de las composiciones más desafiantes de Tilo como "Viaje por la cresta del mundo", "Hijo del diluvio" o "El descarril" entre otras, aunque el reconocimiento público llegaría a la inclusión de una simple canción, la ya clásica "Hijo del sol luminoso" escrita por Joe Vasconcellos. Congreso da entonces un claro giro hacia el rock progresivo, pero siempre conservando su estilo latinoamericanista.

Con una impresionante discografía y con variados cambios de alineación y diversidad de estilos, Congreso es una de esas bandas imprescindibles que han aportado al desarrollado de un verdadero progresivo con toque latinoamericano.

Discografía

Álbumes de estudio

1971 - El Congreso

1975 - Terra Incógnita

1977 - Congreso

1978 - Misa de Los Andes

1981 - Viaje por la cresta del mundo

1982 - Ha llegado carta

1984 - Pájaros de Arcilla

1986 - Estoy que me muero...

1989 - Para los arqueólogos del futuro

1990 - Aire Puro

1992 - Los Fuegos del Hielo

1992 - Pichanga: profecías a falta de ecuaciones

1995 - Por amor al viento

2001 - La loca sin zapatos

2010 - Con los ojos en la calle

2014 - Sinfónico

2017 - La canción que te debía

Álbumes en vivo

1987 - Gira al Sur (reeditado en 2000 bajo el nombre "Congreso en vivo")

1994 - 25 Años de Música

2004 - Congreso de Exportación: la historia de un viaje

2012 - Congreso a la carta

Para saber más de este grupo:

Página oficial http://congresomusica.cl/

Página en Wikiwand: https://www.wikiwand.com/es/Congreso_(banda)

CORTOS DEL PROGRESIVO: LOS JAIVAS

LOS JAIVAS

Eduardo Parra, teclados

Claudio Parra, acordeón y piano

Gabriel Parra, batería

Eduardo “Gato” Alquinta, guitarra, voz

Mario Mutis, bajo, voz

Fundado en la ciudad chilena de Valparaíso en agosto de 1963, Los Jaivas es una de las bandas más representativas de la escena del rock progresivo en América Latina. Con una mezcla de rock psicodélico, progresivo y ritmos andinos, esta agrupación chilena es una de esas agrupaciones que representa el gusto por la experimentación y la búsqueda de nuevos sonidos.

Inicialmente conocidos como The High and Bass, en alusión a las diferencias de estatura entre los hermanos Parra, Gato y Mario, realizan presentaciones en escenarios de su ciudad natal y tras estos años de prueba y aprendizaje, pasando de música en principio para animar fiestas, el grupo cuestiona fuertemente su quehacer. Influenciados por la reforma universitaria y la búsqueda que otros músicos y autores hacían para redescubrir los sonidos propios de la región (como Violeta Parra y Víctor Jara), la banda decide modificar su estilo musical, para pasar de meros intérpretes a creadores y dejar paso a la improvisación musical plena y la vanguardia.

Ya con el nombre Los Jaivas (que es una castellanización de The High and Bass), realizan conciertos que serían verdaderas puestas en escena, llenas de improvisación y experimentación generando atmósferas propias. Un sello que que mantendrán hasta nuestros días.

En octubre de 1970, graban la banda sonora para la película que estaban produciendo los cineastas Raúl Ruiz y  Saúl Landau llamada Que hacer. Producción que se convertiría en la primera grabación profesional del grupo. Posteriormente aparecerían los álbumes El Volantín (1971) y La Ventana (1973). El golpe de estado contra el gobierno de Salvador Allende el 11 de septiembre de 1973, obliga a la agrupación a exiliarse en Argentina desde donde continuarían con su carrera.

Para el año de 1974, y con el nuevo bajista Julio Anderson, que sustituiría a Mutis, graban el álbum El Indio, el cual sería el trabajo que terminaría de definir la identidad musical del grupo: fusión de sonidos tradicionales latinoamericanos, con rock progresivo.

En 1977 se trasladan a Francia, desde donde realizan diversas presentaciones por ciudades europeas. Para 1981 registran el que sería el trabajo con mayor trascendecia para la banda: Alturas de Machu Pichu, el cual musicaliza poemas de la obra “Canto General” del poeta chileno Pablo Neruda. Motivo que les permite hacer una gira por Suramérica, incluyendo su país natal.

Con una variada discografía posterior, que incluye Aconcagua (1982), Obras de Violeta Parra (1984) y la trilogía  El Reencuentro (1997) entre otros trabajos sumado a su larga trayectoria musical, Los Jaivas sufrirán varios cambios en la alineación, y aún con la incorporación de nuevos miembros que le darán su impronta a una agrupación, esta será caracterizada por la experimentación y la fusión musical de distinto origen sin abandonar las raíces.

Memorias de mis discos: Use your ilusion I de Guns N` Roses

Después de mi descubrimiento con Paul McCartney, me adentré a la búsqueda de otros álbumes a través de recomendaciones amistades que me proponían y me prestaban sea en versión cassette o en CD, artistas que consideraba podrían gustarme, o mejor dicho, agrupaciones que debían estar en mi catálogo de gustos, una de las primeras propuestas fue el Use your ilusion I de la banda estadounidense Guns N`Roses.

Para mi sorpresa, algunas canciones ya me sonaban de algo y en efecto, la balada Don`t Cry o la ya clásica November Rain sonaban en algunas radios del país. Y por ejemplo Dont`Cry era aquella canción que uno quería aprender a tocar con la guitarra, empujando además el sueño de hacerme músico.

Este disco me encantó por su variedad de influencias que aunque en esa época no sabía diferenciar, me pareció que el rock podría ser una experiencia diversa contrario a la idea de que sólo se trataba de drogas, pactos con el demonio, voces chillonas y guitarras esgtridentes. Use your ilusion I está lleno de tantas influencias musicales que me resultó una experiencia grata como por ejemplo la guitarra flamenca que suena en Double Talkin` Jive hasta su versión de Live and Let Dia del ya mencionado McCartney.

Es por esto y mucho más que la banda conformaba por Axl Roses, Slash, Izzy Stradlin, Dudd McKagan, Matt Sorum y Dizzy Reed, pronto se volvieron una de mis favoritas. 

Como dato curioso, la portada del álbum está inspirada en la pintura del artista italiano Rafael "La escuela de Atenas" diseñada por Mark Kostabi.

Memorias de mis discos: All the Best! de Paul McCartney

Con este post inicio una nueva sección a la cual denominaré "Memorias de mis discos" en la cual haré una breve descripción de cómo el álbum musical al que haré referencia llegó a mi vida, dejó una huella significativa; así como también dejaré una breve descripción del mismo, probablemente copiado de alguna fuente elegida al azar y, de ser posible, el enlace a alguna plataforma para que puedan escucharlo completo, así como hacíamos en los viejos tiempos en los que teníamos nuestro reproductor de cassette, compacdisc; un buen sofá y nos adentrábamos al mundo que nuestros artistas favoritos nos querían llevar.

Inicio con el álbum "All the Best!" de el ex-beatle, Paul McCartney, por es simple hecho de que fue mi gran descubrimiento a la música rock y al universo The Beatles que me llevó a conocer otro tipo de música que no fuera el pop noventero al que me tenía acostumbrado la programación radial salvadoreña siendo que yo era un pequeño cipote criado en el campo si mucho acceso a la música.

"All the Best! es el segundo álbum recopilatorio del músico británico Paul McCartney, publicado por la compañía discográfica Parlophone en noviembre de 1987. Después de Wings Greatest, su anterior recopilatorio, All the Best! contiene temas desde el comienzo de su carrera en solitario, tras la separación de The Beatles en 1970, hasta una canción inédita, «Once Upon a Long Ago»." (Wikipedia).

En lo personal recuerdo canciones como Ebony and Ivory que cantaba junto a Stevie Wonder o Say, say, say, interpretada con Michael Jackson (me emocioné la primera vez que vi el vídeo) y memorables temas como No more lonely nights o Uncle Albert.

CORTOS DEL PROGRESIVO: RICK WAKEMAN

Rick Wakeman (nacido como Richard Christopher Wakeman en Londres el 18 de mayo de 1949) es uno de los pocos músicos virtuosos del teclado capaz de competirle el título a Keith Emersons. Wakeman  cuenta con estudios de música clásica que combina con una grande ambición personal.

Es un músico que pronto se convirtió al rock, haciendo contribuciones para David Bowie, Cat Stevens, T. Rex, Luo Reed, y haciendo parte del grupo Straws en dos álbumes (Just a Collection of Antiques and Curios y From the Witchwood), llegando a la notoriedad en su participación con Yes. Tanto que FRAGILE y CLOSE TO THE EDGE son los álbumes que lanzaron al grupo al Olimpo del progressive y a Wakeman quien supuso ser el centro de atención en solitario.

Su plato fuerte es la música sinfónico-instrumenal que incluye varios teclados  con un trasfondo histórico y mitológico. En su carrera en solitario Wakeman mantiene el control de su propia música, perdiendo del todo la mesura y dejándose seducir por una grandiosa escenografía al estilo “Holiday On Ice”, del mundo del cine (la columna sonora de Lisztomania) y también retomando un período momentáneo de reunión con los Yes.

La crítica rock lo confina casi por encina del limbo de los artistas excesivos, pegajoso y empalagoso, pero Wakeman se venga abandonando hasta cierto punto el rock para inmiscuirse en el mundo del new age instrumental, aumentando la producción musical a lo largo de los años siendo uno de los tecladistas más importantes e influyentes de todos los tiempos.

PROCOL HARUM

KING CRIMSON

PREMIATA FORNERIA MARCONI

CORTOS DEL PROGRESIVO: PINK FLOYD

PINK FLOYD

Roger Waters bajo, voz

David Gilmour voz, guitarra

Rick Wrigth teclado

Nick Mason batería

Syd Barrett voz, guitarra

THE PIPER AT THE GATES OF DAWN (1967) es uno de los grandes álbumes de la era psicodélica inglesa, debido sobre todo al mérito visionario de Syd Barrett. Ya sin él, Pink Floyd debe revisar su estilo y no puede dejar de ser influenciado por el estilo progresivo de finales de los 60. La columna vertebral del sonido de MORE y el doble UMMAGUMMA (ambos de 1961) son, de diferente manera, álbumes de transición de ese sonido que va tomando forma con ATOM EARTH MOTHER y MEDDEL y que llega a su máxima expresión con THE DARK SIDE OF THE MOON, uno de los discos más sensacionales obtenidos de la escena inglesa de los 70.

El de Pink Floyd es un camino gradual y quizá discreto, que explota ideas típicamente progresivas (la suite y arreglos majestuosamente wagnerianos, por ejemplo) pero con un altísimo nivel de accesibilidad a un público bastante numeroso.

Un cierto pesimismo de fondo, textos que ya hablan abiertamente de esa alienación moderna, de la cual Waters será la primera víctima, una secuencia perfecta de temas melódicos y escenarios atmosféricos: es esto el sonido de Pink Floyd y, como ha confirmado la historia, es también el punto más alto alcanzado de la música progresiva en cuanto a la relación entre calidad y valor comercial. Otros grupos tal vez dejaron más fidelidad al término progresivo, otros quizá lo comercializaron demasiado de una manera más contundente, pero Pink Floyd ha sido, es y será el mayor heredero de aquella época.

Tomado de: Rizzi, Cesare, (2009). Progressive. Giunti Editore. Italia. Traducción libre de Erick Tomasino (2019).

CORTOS DEL PROGRESIVO: CAMEL

CAMEL

Andy Latimer guitarra, flauta, voz

Peter Bardens teclado, voz

Doug Ferguson bajo, voz

Andy Ward batería

Entre las principales agrupaciones de Canterbury, Camel quizá sean los que menos respuesta han tenido de la crítica y del público. Aun siendo toda su producción extrañamente agradable, en un estilo lleno de pequeñas pero muy interesantes ideas. Eso que promete mucho pero que no da la impresión de que vaya a llegar a solidificarse: el sonido de Camel parece no tener inicio ni fin, lo cual en ellos no es necesariamente un defecto.

Peter Bardens (con pasado en Them) y tres músicos de la banda de Philip Goodhan-Tait se unieron con una pasión común por la clásica atmósfera instrumental de la escena de Canterbury, reelaborada pero en clave mucho más personal, enriquecida de temáticas conceptuales y de inspiración histórico-fantástica.

Los álbumes del primer período son los más interesantes desde un punto de vista estrictamente progresivo y cuando el sonido parece próximo a la madurez, después BREATHLESS (Decca, 1978), Barden abandona la banda y con esta acción, condiciona toda la existencia posterior del grupo. Latimer todavía es capaz de completar dos álbumes inmejorables como I CAN SSE YOUR HOUSE FROM HERE (Decca, 1979) y NUDE (Decca, 1981), pero luego sufre un descenso regular e imparable que lleva al grupo al margen de la escena, hasta a las últimas producciones autogestionadas

Tomado de: Rizzi, Cesare, (2009). Progressive. Giunti Editore. Italia. Traducción libre de Erick Tomasino (2019).